Les fotografies més impressionants de les pel·lícules

Per Elle Collins/15 de setembre de 2017 13:02 EDT/Actualitzat: 15 de febrer de 2018 10:18 am EDT

El cinema i la fotografia són dues formes d’art molt diferents, alhora que la primera incorpora la segona. Una fotografia és cosa pròpia, però una pel·lícula és una seqüència de fotografies (o fotografies simulades, en aquesta època digital) que explica una història, normalment amb l'ajuda d'un diàleg sonor i parlat.

Així, encara que hi hagi moltes coses més en cinema, pot ser interessant treure imatges fixes específiques i mirar-les com si fossin fotografies. De fet, tot i que normalment no ho discutim en aquests termes, ho fem molt a Internet. Per a aquest article, hem escollit imatges tant de pel·lícules clàssiques com recents, que són boniques i en moviment tot per si mateixes, alhora que proporcionem informació sobre les pel·lícules de les quals provenen.



Dona maravellosa

Al cor, Dona maravellosa és una pel·lícula sobre la guerra i la pau. Diana creu que si derrota el Déu de la Guerra, la Gran Guerra s’acabarà. Al llarg del camí, s’assabenta que tot és més complicat del que esperava, però finalment derrota el Déu de la guerra (la vigília de la signatura d’Armistici), i la guerra s’acaba.

A mesura que la pols s’instal·la, el sol comença a sortir. Al voltant del camp de batalla, soldats alemanys es treuen les màscares de gas per revelar les cares dels nois joves. I veiem aquesta imatge, de Wonder Woman, davant del cràter on va immolar Ares, envoltada de soldats agraïts, mentre l’alba es trenca darrere d’ells. No és l'última escena de la pel·lícula, però és el final de l'acció principal, i és un plató perfecte i pintorós.

El cavaller fosc

Coneix el Joker. No aprendràs que és el Joker fins més tard, però aquesta és la seva primera aparició a la pantalla El cavaller fosc. I ja està clar que hi ha alguna cosa. Fins i tot sense veure-li el rostre, hi ha alguna cosa inquietant en la seva posició, en la posició de les espatlles. I, per descomptat, aquesta màscara de pallasso que té, amb la llum que brilla pels ulls, el fa encara més espantós. Quan el treu al final de l'escena del robatori bancari, revelant que també és un pallasso esgarrifós a sota, això fa que la retroactivació sigui molt més espantosa. Però també és bonic, aquest tret de dia de Chicago-com-Gotham amb una figura, destacada davant i centre, que definitivament no pertany.



El caçador de cérvols

El caçador de cérvols és una pel·lícula sobre la guerra del Vietnam i sobre com destorba la vida de tres homes de Pennsilvània. És una gran pel·lícula en l'àmbit, les ambicions i el temps de funcionament. I una de les coses sobre les quals es tracta és impotent fins i tot d’homes que es consideren forts, ja que es troben arrasats i destruïts per forces molt més grans que ells mateixos.

Tot això es representa en aquest tret. Això és Robert De Niro, però no ho sabríeu mai a aquesta escala si no hagueu vist les escenes dels voltants. Ell és només una figura minúscula, amb un fusell encara més petit, que es mou per un paisatge hostil. El teló de fons sembla el Cel, però el terreny sobre el qual va trotar s’assembla més a l’Infern. Un home perdut, navegant per un món terrorífic.

El llarg adéu

Amb aquest tret de Robert Altman El llarg adéu, el cinema com a art entra en un període més modern. Pot semblar que la pel·lícula està a doble vessant, però en realitat l'escena només es deixa passar per una gran finestra, captant l'interior d'una casa de platja juntament amb el reflex d'allò que hi ha a fora.



Quan Sterling Hayden i Nina van Pallandt discuteixen el seu matrimoni problemàtic a l'interior de la casa, també veiem la figura reflectida més petita d'Elliott Gould com Philip Marlowe, que va ser contractat per ajudar-los, però pot complicar encara més les coses: passejant per la superfície de fora. Així mateix, els rostres de Hayden i van Pallandt estan enfosquits per palmeres reflectides, que al seu torn reflecteixen la fracturació de la seva vida emocional.

Els Cercadors

A finals de Els Cercadors, La veterana de la Guerra Civil, Ethan Edwards (John Wayne), ha passat cinc anys a la recerca de la seva neboda perduda i finalment la va retornar als seus pares. Al llarg del camí, va deixar que el seu menyspreu pels nadius nord-americans que la van segrestar es converteixi en un tipus de racisme mundà fins convertir-se en una cosa més com una veneta violenta. I al final de la pel·lícula, com celebra la família reunida, hi ha aquest tret d’oncle Ethan fora de la porta, emmarcat en la foscor. Va fer el que creia que era correcte, però ara troba que no pot tornar a la societat civilitzada. No és un home civilitzat. Després de tot el que ha vist i fet, pertany al desert i, a mesura que finalitza la pel·lícula, gira en silenci i es torna a posar.

Els Reis Tenenbaums

Wes Anderson Els Reis Tenenbaums és una pel·lícula visualment bonica que és difícil seleccionar un sol cop. Hi ha la bandera a la casa, el falcó al vol, o la tenda il·luminada a la fosca sala de ball. Però aquest tret fa alguna cosa realment especial. Recontextualitza el personatge de Margot, que ja hem conegut com una dona emocionalment distant i implicada per si mateixa, que es vesteix com un nen i que porta massa delineador d’ulls i ens mostra quant estima Richie.



Quan abandona aquest autobús de la línia verda, la pel·lícula passa a càmera lenta. Quan els seus llavis se separen lleugerament, NicoAquests dies'comença a jugar. Obviament, fer que Gwyneth Paltrow sembli bonic no és cap gran gesta, però la bellesa d’aquest moment és una cosa extremadament específica de la història que s’explica, i això és el que la fa tan especial.

Badlands

Terrence Malick és un director molt visual, i té una fascinació particular amb el cel i amb l’horitzó, on el cel es troba amb la Terra. Badlands, el seu primer llargmetratge, es centra en un home d'escombraries convertit en criminal que va interpretar Martin Sheen, i Sissy Spacek com l'adolescent que encantarà de fugir amb ell. Quan comença a matar persones, continua romanticitzant la seva vida junts.



Hi ha una gran quantitat d'aquest romanç i també de la corrupció que hi ha a sota, que figura en aquest tret de Sheen a les terres dolentes titulars. El seu vestit i el seu cabell el fan semblar a James Dean, però la seva posada fa que sembli un espantaocells, ja que una lluna plena il·lumina aquell horitzó tan important.

Racer de velocitat

Racer de velocitat és una alegria visual, en la qual els Wachowskis utilitzen una combinació d’acció en directe i CGI per crear un món futurista de color dolç, on la cursa de cotxes és el més important, i hi creixen imperis de negocis i del delicte. Al centre hi ha Emile Hirsch com a Speed ​​Racer –el és el seu nom i cognom real– un jove amb una puresa de focus que només vol conduir ràpid i ser el millor. I, tot i que tota la pel·lícula és un remolí de llum i color, no hi ha res semblant a aquest moment, en què Speed ​​surt del cotxe després d’una carrera, desorientat, ja que les bombetes lluminoses s’encenen al seu voltant i la celebració de la seva victòria comença fins i tot. Va tenir el temps per adonar-se que va guanyar.

Bellesa americana

Bellesa americana Va ser àmpliament aclamat quan va sortir el 1999, però no ha estat completament la prova del temps. En un primer lloc, un dels principals elements argumentals és un home d’edat mitjana (Kevin Spacey) que desenvolupa una aplicació en una adolescent (Mena Suvari), que serveix de catalitzador del canvi de la seva vida. I en lloc de la seva estranya obsessió en ser problematitzat des del principi, la pel·lícula considera la seva elecció eventual de no dormir amb la noia com gairebé heroica.

Sense renunciar a cap crítica vàlida, la imatge fantàstica de Suvari surant nu sobre un llit de roses no és diferent a la resta del cinema, i continua sent reconeixible a l’instant i es fa referència sovint fins avui. Malgrat la seva nuesa, la fantasia no és ni tan sols sexual: es tracta de voler arribar a la mà i tocar alguna cosa més bonica que la seva vida mundana. Això no nega el que és problemàtic de la història, però li aporta color.

Star Wars: Una nova esperança

L'original Guerra de les galàxies es recorda millor per reviure l’esperit aventurer de propietats clàssiques de ciència-ficció comFlash Gordon i la sensació de diversió trepidant en el món melancòlic de la ciència ficció dels anys setanta. Però Guerra de les galàxies també té els seus moments de malenconia i contemplació. El primer, i potser encara el més bonic, és quan Luke Skywalker contempla el seu lloc a la galàxia, mentre mira cap a un desert estèric a dos sols que es posen al mateix horitzó. És poètic, però també és una creació mundial, que és un rar equilibri en les pel·lícules de gènere, especialment en un sol cop. Com a espectadors, sabem que la vida de Luke està a punt de canviar, però no ho fa, i que la ironia dramàtica afegeix un altre matís de bellesa a aquest moment perfecte.

2001: Odissea espacial

Stanley de Kubrick2001: Odissea espacial no és una pel·lícula sobre personatges. N’hi ha uns quants, però gairebé no importen (ni tan sols Dave). 2001 és una pel·lícula sobre esdeveniments a escala còsmica. Sobre objectes d’origen desconegut que exerceixen una influència misteriosa en l’evolució. Quant als humans passant de coves a estacions espacials a naus estrella interplanetàries.

I comença aquí, amb aquesta imatge abstracta d'un eclipsi que s'aproxima vist sobre un fort monòlit negre. Llum i foscor, dia i nit, Terra i cel. El moviment dels cossos celestes sense influència humana però exercint una influència sobre els humans. Més tard a la pel·lícula, els visuals es veuen molt més vistosos i estranys, però és en aquest primer moment el que realment estableix cap a on van les coses.

Malditos bastardos

La crítica de cinema feminista Laura Mulvey va assenyalar que la mirada d’una pel·lícula és tradicionalment una mirada masculina. I podeu dir que poques mirades cinematogràfiques són més masculines que les de Quentin Tarantino. A Tarantino li encanta compondre un bonic tret, i també li encanta enquadrar imatges de dones boniques. Aquest moment de Malditos bastardos, amb Mélanie Laurent, és un bon exemple de la intersecció d'aquests impulsos.

Segurament, Laurent és una bellesa única, però el que fa que aquesta imatge sigui fantàstica és la seva col·locació per aquella finestra rodona, amb el reflex de la cara juxtaposada contra el rostre d’una altra dona en un cartell de fora, i aquesta inquietant ratlla vermella d’una pancarta nazi al l’extrem dret. El vestit vermell de Laurent reflecteix la pancarta, ambdues són del color de la sang i del foc, evidenciant el seu últim pla per matar un teatre ple de nazis.

L’Arbre de la Vida

Heus aquí Terrence Malick una vegada més, ja que la seva fascinació continuada amb cels i horitzons torna a aparèixer a la dècada del 2011 L’Arbre de la Vida. Però a diferència BadlandsL'enfocament no es centra en Dakota del Sud, sinó en el més enllà. Com a tal, tant la terra com el cel són molt més abstractes, creant una sensació d’informació a mesura que Jessica Chastain (interpretant la mare del personatge principal) es desplaça cap a les misterioses muntanyes de la distància.

L’Arbre de la Vida és un intent increïblement ambiciós de contextualitzar la vida d’un home dins de la totalitat del temps i del cosmos i, tot i que pot no tenir un èxit del tot en aquest esforç, imatges com aquesta fan que, com cada pel·lícula de Malick, valgui la pena el temps que calgui. veure.

Segueix

Segueix és una pel·lícula de terror i molt eficaç sobre el que podríeu anomenar un dimoni de transmissió sexual, que persegueix de forma implacable la seva presa i només es pot escapar tenint relacions sexuals amb algú, que el dimoni persegueix al seu lloc. I, tot i que aquesta premissa és interessant i única, és realment l’ànim i les visuals.

La història està ambientada a Detroit, en una mena de temps mai terreny que suggereix el passat tot i que conté elements del present, i cada escena està envoltada de càries i desolació. Aquest tret perfectament compost és un bon exemple, amb els personatges principals que s’apropen a una casa dilapidada ja que la protagonista central, interpretada per Maika Monroe, gira i mira directament a la càmera. Està comprovant per veure si se la segueix, per descomptat que és.

La brillantor

Dins La brillantor, Stanley Kubrick trenca deliberadament totes les regles visuals de l’horror mentre crea quelcom únicament terrorífic. La majoria de la pel·lícula està molt il·luminada, cosa que fa que l’aparició de fantasmes, com els bessons d’aquest tret, sigui encara més inquietant.

Com en totes les seves pel·lícules, Kubrick també està fascinat per la simetria. Molts filmaven un moment sobrenatural com aquest en un angle estrany, potser fent una ullada a la cantonada o mostrant els bessons a un costat del cap de Danny. Però Kubrick situa les nenes idèntiques al centre del passadís, amb les mans entrellaçades al centre, i Danny és visible a sota d'elles, també al centre del passadís, al seu tricicle. Després de tot, La brillantor és una pel·lícula sobre una estructura malvada i els patrons mortals que es repeteixen, de manera que mantenir cada moment tan estructurat acuradament només aporta el sentit de la condemna inevitable.

Jubileu

Opus del punk rock de Derek Jarman Jubileu és una pel·lícula de fantasia de ciència-ficció que no conté efectes especials reals. Confia totalment en els seus visuals i en un repartiment únic per crear una sensació d’irreal. Prenguem per exemple aquest moment primerenc, en què l'esperit fadrí Ariel (el mateix personatge de Shakespeare La tempesta) apareix davant la reina Isabel i John Dee. Amb una mica de maquillatge pàl·lid i potser algunes lents de contacte (és difícil dir-ho amb certesa), l’actor David Haughton és creïble com un esperit inhumà, més bell i etèric del que qualsevol home podria ser.

La seva aparició es veu reflectida més tard pel cantant Adam Ant, que es presenta com un home humà massa bonic per sobreviure en el futur brutal on es troba el gruix de la pel·lícula. La càmera de Derek Jarman té una mirada tan desitjosa com la de Tarantino, però la mirada masculina de Jarman no està dirigida a les dones.

sense alè

Moltes de les pel·lícules d'aquesta llista utilitzen la llum i el color de manera molt deliberada, però cap altra pel·lícula utilitza el color com la de Dario Argento sense alè. Es tracta d’una jove que assisteix a una escola de ballet que resulta dirigida en secret per un coven de bruixes, però malgrat aquesta premissa fosca, els exuberants colors omplen totes les escenes. Els morats, vermells i blaus que veiem en aquest tret especialment cridaner són comuns a tota la pel·lícula, però també utilitza tots els altres colors de l'arc de Sant Martí. L’efecte és una impressió que sense alè està ambientat en un món més màgic que el nostre, cosa que fa que la violència creixent al llarg del film sigui encara més inquietant.

Brokeback Mountain

Dins Brokeback Mountain, Heath Ledger interpreta un vaquer que es passa tota la vida lluitant amb el seu amor per un altre home (interpretat per Jake Gyllenhaal). Aprofundida en la masculinitat convencional nord-americana de mitjan segle XX, el seu anhel i malestar es manifesta de maneres desafortunades al llarg de la pel·lícula.

En una celebració del quart de juliol, per exemple, solta amb tanta violència als ciclistes maleducats que la seva dona recull els seus fills petits i els allunya. S’aixeca i veu la seva família fugint d’ell tal i com el cel esclata amb focs artificials al seu darrere, creant una de les imatges més commovedores al cinema d’un home en conflicte amb ell mateix i el seu món.

Eterna insolació de la ment impecable

Gran part de Eterna insolació de la ment impecable té lloc dins dels records de Joel (Jim Carrey). A mesura que els seus records de la seva ex-núvia Clementine (Kate Winslet) s'eliminen deliberadament, reviu aquests records i s'adona que no vol oblidar-la. A mesura que Joel intenta guardar els seus restants records de Clementine, la pel·lícula es torna cada cop més abstracta, saltant de tant en tant a mesura que aquests moments comencen a desintegrar-se visiblement.

Però la imatge més sorprenent, que també es va fer servir als pòsters de la pel·lícula, és de Joel i Clementine que es troben junts al gelat riu Charles, ja que es formen esquerdes al gel que els envolta, simbolitzant la desintegració no només de la seva relació, sinó dels seus records d’aquella relació. Igual que la pel·lícula que l’envolta, aquesta impactant imatge no s’assembla gens al que ha aparegut abans a la pel·lícula.

Mad Max: Fury Road

Mad Max: Fury Road es va rodar al desert de Namíbia i aquest entorn s’utilitza al màxim possible. Durant gran part de la pel·lícula, es tracta de conduir cotxes i camions fortament modificats a través del desert a gran velocitat, que és el seu propi tipus d'esplendor visual, però la imatge més impactant de la pel·lícula és molt més solitària i continua.

Furiosa, interpretada per Charlize Theron, acaba de conèixer que la seva pàtria, un lloc verd idíl·lic regit per dones, ja no existeix. Es va tornar inviable, ja que hi ha bona part de la resta d’aquest món postapocalíptic i només hi va sobreviure un bon grapat de la seva gent. Tenint en compte aquesta nova informació, Furiosa s’allunya del grup, cau de genolls al desert i plora d’angoixa. Ella plora perquè el món s’ha acabat i el paisatge buit que l’envolta il·lustra aquest fet.